Motus

Mediante exposiciones prolongadas, movimientos intencionados de la cámara y luz de estudio controlada, Motus permite que un gesto se extienda por todo el encuadre hasta que el movimiento y el tiempo adquieran las cualidades del espacio. El cuerpo atraviesa ese espacio y se disuelve poco a poco en él, de modo que lo que queda no es tanto una figura como el rastro de su propio movimiento.

En latín, motus significa «movimiento», y en la frase motus animi, un movimiento de la mente: una emoción. El título conserva ambos sentidos. Un giro, una vacilación, una caída: cada uno de ellos atraviesa el encuadre como un sentimiento y como un movimiento, y la exposición prolongada lo capta todo.

Un torso gira en la oscuridad y deja tras de sí suaves capas, con el pelo ondeando en la negrura como humo. Una figura gira frente a una única luz cálida; su silueta permanece en el centro mientras los bordes del movimiento se desvanecen. Una mujer levanta los brazos contra una pared oscura y estos se abren en abanicos translúcidos, como si el gesto hubiera echado a volar. En blanco y negro, una falda de ballet se convierte en una nube giratoria sobre dos piernas borrosas, y una bailarina en caída se transforma en un rayo gris que atraviesa un suelo pálido.

El movimiento solo existe mientras se produce. Una fotografía convencional se queda en una posición y descarta todo lo que hay entre posiciones, que es precisamente donde reside realmente el movimiento. Motus mantiene el paso. La serie trabaja con dos tipos de cuerpos en movimiento. Los bailarines aportan un movimiento entrenado: saben desde dentro dónde se encuentra cada extremidad en cada momento, y estas fotografías muestran el exterior de ese conocimiento, todos los lugares por donde han pasado las extremidades. Los modelos desnudos aportan movimientos más sencillos, guiados en el estudio: un giro de hombros, un movimiento de la melena, brazos que se levantan y bajan, un torso que se balancea fuera de su pose. Sus gestos están menos coreografiados y son más personales, y la larga exposición los convierte en formas que el propio cuerpo nunca ve. Cuando la cámara también se mueve, la imagen transmite dos movimientos a la vez, el de la figura y el del fotógrafo, y se convierte en un registro de su sincronía.

Fotografiar el movimiento suele implicar dividirlo en una serie de instantes nítidos y congelados que el ojo tiene que volver a unir después. Motus permite que el movimiento se desarrolle de forma continua a lo largo de una sola exposición, por lo que no es necesario volver a montarlo. El gesto se mantiene íntegro; solo se difumina su nitidez.

Cuando una exposición dura lo suficiente, el tiempo se convierte en el verdadero tema de la fotografía, más que la luz. La acumulación tiene también su propio peso emocional: un gesto superpuesto una y otra vez sobre sí mismo se siente más pesado que cualquiera de sus instantes aislados. Motus aplica esto al cuerpo vivo y a su ritmo específico: cuánto tiempo tarda en girar, cómo se desplaza el peso al dar un paso, cómo se desvanece un gesto.

Cada imagen se crea directamente en la cámara. No se combinan capas en la posproducción; el desenfoque, el efecto de multiplicación y la estela de luz se capturan en una sola exposición. La fotografía es un registro del movimiento: un rastro físico, como una pincelada, del paso de un cuerpo a través del tiempo frente al objetivo.