Motus

Motus va contro la promessa più antica della fotografia: quella di fermare il tempo. Attraverso lunghe esposizioni, movimenti intenzionali della fotocamera e luci da studio controllate, la serie permette a un gesto di espandersi nell’inquadratura fino a quando il movimento e il tempo assumono le qualità dello spazio. Il corpo attraversa quello spazio e vi si dissolve gradualmente, cosicché ciò che rimane è meno una figura che la traccia del proprio movimento.

In una fotografia, un torso si gira nell’oscurità e lascia dietro di sé morbidi strati, con i capelli che si riversano nel nero come fumo. In un’altra, una ballerina volteggia contro un’unica luce calda, con la sua silhouette che rimane al centro mentre i contorni del movimento si dissolvono. Una donna alza le braccia contro una parete scura e queste si aprono a ventaglio, traslucide, come se il gesto avesse messo le ali. In bianco e nero, una gonna da balletto diventa una nuvola vorticosa sopra due gambe sfocate, e una ballerina che cade si trasforma in una striscia grigia su un pavimento pallido.

Il riferimento è storico. Negli anni ottanta del XIX secolo, Étienne-Jules Marey registrò i movimenti di esseri umani e animali attraverso la cronofotografia, disponendo una sequenza di esposizioni su un’unica lastra in modo che fosse possibile vedere una figura camminare, correre o saltare nell’arco di un’unica immagine. Nello stesso periodo, Eadweard Muybridge utilizzò file di macchine fotografiche per scomporre il movimento in fotogrammi distinti. Motus ne eredita la curiosità riguardo a ciò che la fotografia può rivelare sul movimento, ma ne modifica il metodo: mentre le lastre di Marey immortalano istanti distinti e Muybridge suddivideva il movimento in fotogrammi, Motus permette al movimento di svolgersi ininterrottamente nell’arco di una singola esposizione. Il gesto rimane integro; solo la sua nitidezza si dissolve.

La serie si confronta anche con opere più recenti. I paesaggi marini e gli interni teatrali a lunga esposizione di Hiroshi Sugimoto hanno dimostrato che il tempo, più della luce, può essere il vero soggetto di una fotografia. Le ripetizioni sovrapposte di immagini canoniche realizzate da Idris Khan hanno dimostrato che l’accumulo stesso può avere un peso emotivo. Motus traspone queste idee nel corpo vivente e nel suo ritmo specifico: quanto tempo ci vuole per compiere una rotazione, come si sposta il peso durante un passo, come si esaurisce un gesto.

Ogni immagine viene realizzata direttamente con la fotocamera. In post-produzione non vengono combinati livelli; la sfocatura, l’effetto moltiplicazione e la scia luminosa vengono catturati in un’unica esposizione. Questo vincolo è fondamentale. Rende la fotografia una registrazione del movimento più che una sua illustrazione: una traccia fisica, come una pennellata, del passaggio di un corpo nel tempo davanti all’obiettivo.

Due sottoserie approfondiscono la stessa questione da altre prospettive. In In fretta e furia, le ballerine compaiono all’improvviso per le strade di Istanbul e danzano per un attimo negli spazi pubblici; le fotografie immortalano quella breve esibizione, la traccia del loro movimento e i volti di chi si ferma, o non si ferma, a guardare. In Stills, i ballerini reagiscono alle fotografie di oggetti di uso quotidiano, ciascuno alla ricerca dello stesso significato attraverso un movimento diverso, e la macchina fotografica immortala la posa in cui quella ricerca trova momentaneamente la sua espressione.