Motus

En recourant à des expositions longues, à des mouvements intentionnels de l'appareil photo et à un éclairage de studio contrôlé, Motus permet à un geste de se déployer à travers le cadre jusqu’à ce que le mouvement et le temps prennent les qualités de l’espace. Le corps traverse cet espace et s’y dissout peu à peu, de sorte qu’il ne reste plus tant une silhouette qu’une trace de son propre mouvement.

En latin, motus signifie « mouvement », et dans l'expression motus animi, un mouvement de l’esprit : une émotion. Le titre garde les deux sens. Une rotation, une hésitation, une chute : chacune traverse le cadre comme sentiment autant que comme mouvement, et la pose longue en conserve la totalité.

Un torse se retourne dans l’obscurité et se laisse derrière lui en couches légères, ses cheveux se fondant dans le noir comme de la fumée. Une silhouette virevolte face à une unique lumière chaude, sa silhouette restant figée au centre tandis que les contours de son mouvement s’estompent. Une femme lève les bras contre un mur sombre et ceux-ci s’épanouissent en éventails translucides, comme si ce geste s’était doté d’ailes. En noir et blanc, une jupe de ballet se transforme en nuage tourbillonnant au-dessus de deux jambes floues, et une danseuse en chute libre devient une traînée grise sur un sol pâle.

Le mouvement n'existe que lorsqu'il se produit. Une photographie classique fige un instant et élimine tout ce qui se trouve entre deux instants, alors que c'est justement là que réside véritablement le mouvement. Motus préserve le passage. La série s’articule autour de deux types de corps en mouvement. Les danseurs apportent des mouvements travaillés : ils savent de l’intérieur où se trouve chaque membre à chaque instant, et ces photographies montrent l’extérieur de cette connaissance, tous les endroits où les membres ont été. Les modèles nus apportent des mouvements plus simples, guidés dans le studio : un mouvement des épaules, un balayage des cheveux, des bras levés puis baissés, un torse se balançant hors de sa pose. Leurs gestes sont moins chorégraphiés et plus personnels, et la longue exposition les transforme en formes que le corps lui-même ne voit jamais. Lorsque l’appareil photo se déplace également, l’image porte deux mouvements à la fois, celui du sujet et celui du photographe, et devient le témoignage de leur synchronisation.

Photographier le mouvement revient généralement à le décomposer en une série d'instants nets et figés que l'œil doit ensuite reconstituer. Motus permet au mouvement de se dérouler de manière continue tout au long d’une seule exposition, de sorte qu’il n’y a rien à recomposer. Le geste reste intact ; seule sa netteté s’estompe.

Lorsqu’une exposition dure assez longtemps, le temps devient le véritable sujet de la photographie, plus que la lumière. L’accumulation porte aussi son propre poids émotionnel : un geste qui se superpose à lui-même, encore et encore, paraît plus lourd que chacun de ses instants pris séparément. Motus applique cela au corps vivant et à son rythme propre : le temps nécessaire pour effectuer une rotation, la manière dont le poids se déplace au cours d’un pas, la façon dont un geste s’éteint progressivement.

Chaque image est réalisée directement dans l'appareil photo. Aucun calque n'est superposé en post-production ; le flou, l'effet de multiplication et la traînée lumineuse sont capturés en une seule exposition. La photographie est un enregistrement du mouvement : une trace physique, à l'instar d'un coup de pinceau, du passage d'un corps dans le temps devant l'objectif.