Projet curatorial - Exposition et publication à venir
Les nus d'Istanbul
Une rare publication et exposition collective de photographies de nus en Turquie
Quatorze photographes. Quatorze années de production photographique basée sur le corps à Istanbul. Une publication cartonnée en anglais et une exposition à Berlin qui mettent en circulation à l'échelle internationale une pratique collective soutenue.
Les nus d'Istanbul est un projet collectif de photographie de nu d'art réalisé au cours de quatorze années de pratique photographique à Istanbul sous la direction d'un commissaire d'exposition. Il réunit quatorze photographes dont les œuvres ont été réalisées dans des conditions physiques communes : corps réels, lumière réelle, décors construits, interventions matérielles, présence d'un modèle et discipline consistant à photographier le corps dans une pièce détenue par consentement.
Le projet n'est pas une enquête nationale sur la photographie de nu en Turquie, ni une exposition personnelle du commissaire. Il se concentre sur une lignée spécifique : une pratique collective à long terme façonnée par des productions photographiques répétées à Istanbul, où le cadre curatorial, l'environnement lumineux, les décisions de casting et les conditions matérielles ont été développés par Burak Bulut Yıldırım, tandis que l'image finale a appartenu au cadre, à la distance, au moment, à l'attention et à la décision de chaque photographe.
L'exposition de Berlin est le premier chapitre de la circulation publique du projet. La publication qui l'accompagne est conçue comme un livre autonome, indépendant de tout lieu d'exposition, destiné à la circulation des livres d'art, à la diffusion institutionnelle, à l'usage universitaire et à certaines propositions d'acquisition par les bibliothèques.
À un moment où l'imagerie corporelle synthétique et générée par l'IA est de plus en plus normalisée, Les nus d'Istanbul insiste sur l'événement physique de la photographie. Le corps dans ces images n'est pas généré, simulé ou abstrait en données. Il est présent. Il a consenti. Il a occupé la pièce. La lumière est une vraie lumière ; la surface est une vraie peau, un vrai tissu, un vrai verre, un vrai pigment, une vraie eau, une vraie ombre et un vrai souffle.
L'importance de ce projet
Un enregistrement collectif rare en Turquie
L'histoire publique de la photographie de nu d'art en Turquie est restée limitée et intermittente. Les histoires existantes ont été largement façonnées par des expositions d'un seul auteur, un faible nombre de publications et un petit nombre de points de référence documentés. Les nus d'Istanbul s'inscrit dans ce cadre étroit en tant que rare projet collectif de livre consacré à la photographie de nu d'art de Turquie.
Une pratique durable, pas un atelier d'archives
Le projet n'est pas né d'un seul atelier ou d'une archive occasionnelle d'images de participants. Il s'est formé au fil de quatorze années de productions photographiques répétées à Istanbul, sous la direction d'un commissaire d'exposition. Chaque production a créé une situation photographique exigeante : un corps, une prémisse visuelle, un environnement lumineux, un ensemble de conditions matérielles et un espace éthique partagé. Les travaux sélectionnés ne sont pas présentés comme des exercices. Elles sont traitées comme des photographies individuelles réalisées au sein d'un champ collectif soutenu.
Conditions communes, auteurs distincts
L'exposition comporte deux volets. La première est le champ curatorial : le concept, l'environnement lumineux, le casting, la construction du décor, la direction matérielle et le cadre de publication développés par Burak Bulut Yıldırım sur une période de quatorze ans. Le second est la paternité de la photographie : les décisions individuelles de chaque photographe participant - le cadrage, la distance, le moment, la retenue, la sensibilité tonale et le moment du déclenchement. Le projet ne considère pas les conditions communes comme une faiblesse. Il les traite comme la structure à travers laquelle les différences de vision deviennent visibles.
Les modèles sont des contributeurs, pas seulement des sujets
La publication comprend des essais commandés à Zeynep Renda et Su Yeşil, deux modèles qui ont joué un rôle central dans la pratique stambouliote. Leurs textes ne sont pas des commentaires supplémentaires. Ils sont des éléments structurels du livre. La décision d'inclure les voix des modèles découle de la position curatoriale selon laquelle la photographie de nu n'est pas seulement l'image d'un corps, mais une relation entre la personne photographiée, la personne qui photographie et la lumière qui tient la pièce.
Berlin comme chapitre d'ouverture
L'exposition de Berlin n'éloigne pas l'œuvre d'Istanbul. Elle ouvre un chapitre public et international pour un ensemble de photographies réalisées à Istanbul et conservées pendant des années dans des circuits de circulation limités. Après Berlin, le projet devrait se poursuivre par des présentations de livres, des expositions, des conversations publiques, des collaborations institutionnelles et des programmes universitaires en Turquie et dans certaines villes européennes.
Œuvres sélectionnées de l'exposition
Un aperçu des œuvres des quatorze photographes participants.
Les photographies sont organisées selon six registres contemporains du corps photographié : Surface, Matière, Opacité, Chambres, La duréeet Possession de soi. Il ne s'agit pas d'étiquettes stylistiques ou de genres fixes. Chaque registre identifie la condition dominante à travers laquelle une photographie demande à être lue : la forme, le contact matériel, la visibilité interrompue, l'espace intérieur, la durée physique ou le corps tel qu'il est tenu par la personne dans l'image.
Exposition
Krossener Str. 34, 10245 Berlin, Allemagne
Photographes participants
Quatorze photographes sont présentés dans Les nus d'Istanbul. Elles ont été sélectionnées à partir d'une pratique collective soutenue qui s'est formée au cours de quatorze années de production photographique à Istanbul sous la direction d'un commissaire d'exposition.
La sélection s'est faite sur la base de la continuité de la participation, de la cohérence technique et visuelle, de la distinction de la prise de décision photographique et de la capacité du travail de chaque photographe à contribuer à un corps collectif sans s'y dissoudre. Cinq des quatorze photographes participants sont des femmes. Cette présence n'est pas présentée comme un quota ou un geste correctif, mais comme un élément de la structure d'auteur du projet : le corps est vu, encadré, retenu et rendu public à travers différentes positions de regard, de distance, de retenue et de possession de soi.
Les œuvres sont organisées en six registres contemporains : Surface, Matière, Opacité, Pièces, Durée et Autopossession.
Modèles de contribution à la publication
Deux modèles qui ont joué un rôle central dans la pratique d'Istanbul contribuent à la publication en tant qu'auteurs commandités. Leurs essais côtoient les photographies et constituent un élément structurel du livre - il ne s'agit pas de commentaires supplémentaires, mais de voix sur lesquelles le projet s'appuie.
La décision de les inclure en tant qu'auteurs découle de la position du conservateur selon laquelle la photographie de nu n'est pas seulement l'image d'un corps, mais une relation entre la personne photographiée, la personne qui photographie et les conditions de confiance, de visibilité et de présence à l'intérieur de la pièce.
Le terrain de la conservation
Burak Bulut Yıldırım est l'unique conservateur de Les nus d'Istanbul et n'expose pas ses propres travaux photographiques dans le cadre de la sélection.
Le projet repose sur ses vingt ans de pratique du nu artistique, du portrait, de la photographie corporelle, de l'éclairage avancé et de la construction d'images en studio. Depuis l'ouverture de son premier studio à Istanbul en 2005, Yıldırım a travaillé dans le domaine de la photographie commerciale, des projets artistiques basés sur le corps, de la formation des photographes et des environnements de production dirigés par des commissaires d'exposition. Son utilisation à long terme de la lumière contrôlée, des matériaux physiques, de la direction des modèles, des pigments réactifs aux UV, des surfaces réfléchissantes, de la longue exposition, de la distorsion optique et des locaux visuels construits en studio constitue la base conceptuelle et technique à partir de laquelle ce projet s'est développé.
Les nus d'Istanbul est son deuxième projet de conservation après LandsNude, présenté à la galerie Artcore à Thessalonique en 2015. Dans les deux projets, le corps est abordé non pas comme un motif décoratif, mais comme un site où se rencontrent la lumière, l'espace, les matériaux, la paternité et la visibilité culturelle.
Son rôle dans Les nus d'Istanbul n'a pas pour but de remplacer la paternité des photographes participants. Il s'agit de définir le champ curatorial dans lequel leur paternité devient lisible : la prémisse, l'environnement, les conditions éthiques, la sélection, la taxonomie et le cadre de publication.
Publication
Cette publication n'est pas un catalogue d'exposition. Elle est conçue comme un livre autonome sur une rare pratique collective de la photographie de nu en Turquie.
L'exposition est accompagnée d'un livre photo à couverture rigide en anglais, prévu avec l'enregistrement ISBN. Le livre est conçu pour fonctionner indépendamment de l'exposition, chacun des quatorze photographes participants étant représenté par une sélection spécifique.
La publication comprend une longue introduction rédigée par Burak Bulut Yıldırım, La photographie de nu en Turquie, un cadre historique de la photographie de nu en Turquie en s'appuyant sur le volume édité par Alberto Modiano Türk Fotoğrafında Çıplak (2004) et l'enquête académique d'Işık Özdal de 2011 Analyse de la photographie turque et de l'image de marque de Nü Sergiler, la taxonomie à six registres utilisée pour organiser le travail, et deux essais commandés par Zeynep Renda et Su Yeşil.
La structure positionne le projet comme une pratique collective soutenue, façonnée par des conditions partagées et des auteurs photographiques distincts. Elle reconnaît également les modèles comme contributeurs à la structure intellectuelle et éthique du livre.
Le livre est destiné à la circulation des livres d'art, à la distribution directe, à la diffusion institutionnelle, aux références universitaires et à certaines propositions d'acquisition par les bibliothèques. Les informations relatives aux précommandes, à l'éditeur, à la distribution en bibliothèque et aux achats institutionnels seront annoncées avant l'ouverture de l'exposition.
Pour les demandes de pré-commande, de distribution en bibliothèque, d'éditeur ou d'achat institutionnel : info@burakbulut.info.
Essai de conservation
L'argument de Les nus d'Istanbul part d'une contradiction structurelle. Istanbul a produit un domaine soutenu et techniquement accompli de photographies d'art de nus et de corps, mais ce travail est rarement entré dans la circulation internationale par le biais de livres, d'institutions, de plates-formes dédiées ou d'expositions collectives. Les raisons sont plus structurelles qu'artistiques : un faible nombre de publications, des lieux dédiés limités, une visibilité intermittente des expositions et une histoire largement marquée par la paternité masculine.
L'exposition aborde cette absence par le biais d'une pratique collective spécifique. Quatorze photographes, sélectionnés dans le cadre d'une pratique de quatorze ans dirigée par un commissaire à Istanbul, sont présentés ensemble en tant que formation collective cohérente sur une plateforme internationale. Cinq des quatorze photographes participants sont des femmes. Il ne s'agit pas d'une correction numérique, mais d'un élément de la structure de paternité du projet : différentes positions de regard participent à la décision sur la manière dont le corps est vu, encadré, retenu et rendu public.
La lecture théorique s'articule autour de trois questions centrales. Jean Baudrillard est utile pour reconnaître comment l'image peut se détacher du corps qu'elle prétend représenter - une question rendue plus aiguë aujourd'hui par l'imagerie corporelle synthétique et générée par l'IA. Laura Mulvey reste incontournable pour toute discussion sérieuse sur le regard, non pas comme une thèse à appliquer mécaniquement à chaque photographie de nu, mais comme le champ dans lequel les images du corps continuent d'être produites et lues. Maurice Merleau-Ponty propose une compréhension phénoménologique du corps en tant que terrain de la perception, et non pas simplement comme un objet vu de l'extérieur.
Le projet s'inscrit également dans un discours turc plus large sur la politique du corps et la représentation. Des artistes comme İpek Duben et Nilbar Güreş ont, à travers différents médias et registres, examiné le genre, l'intimité, les codes sociaux, le corps et l'autoreprésentation dans la culture visuelle turque. Les écrits d'Ahu Antmen sur le corps, l'identité, le genre et l'art fournissent un cadre historique important pour comprendre comment le corps représenté a été façonné par la modernité, les codes culturels et les politiques identitaires en Turquie. Les nus d'Istanbul ne revendique pas une continuité directe avec ces pratiques. Il s'inscrit à côté d'elles dans le cadre d'une même question plus large : comment le corps est-il autorisé à être vu, par qui, dans quelles conditions, et à travers quelles formes d'enregistrement public ?
Cette question reste structurellement chargée. L'exposition publique de la photographie de nu en Turquie est souvent passée par des canaux limités : studios privés, petits cercles, expositions intermittentes et un nombre relativement faible de publications. Ce schéma n'est pas spécifique à un pays. En novembre 2024, la vidéo d'İnci Eviner Harem (2009) a été retirée de l'exposition du Musée arabe d'art moderne de Mathaf. Voir, c'est croire peu de temps avant l'ouverture, un cas largement discuté comme étant une censure. Lus ensemble, ces exemples nous rappellent que les politiques de représentation du corps restent actives, contemporaines et inégalement réparties dans les contextes culturels.
Ce que l'exposition soutient finalement, c'est que la photographie de nu - réalisée à l'aide d'un appareil photo, avec une intervention physique, dans une pièce où le corps est réellement présent - reste un acte artistique sérieux à une époque où l'imagerie corporelle synthétique est devenue de plus en plus normalisée. Dans ces photographies, le corps n'est pas un motif. Il est le matériau de travail de l'image et, en même temps, une personne qui a consenti, posé, attendu, bougé, résisté et tenu la pièce. La lumière est une vraie lumière. La surface est du vrai verre, du vrai tissu, du vrai pigment, de la vraie eau, de la vraie ombre, de la vraie peau.
L'exposition prend ce terrain physique et éthique comme point de départ.
Taxonomie curatoriale
Les œuvres sont organisées en six registres du corps photographié. Plutôt que de traiter le nu comme un genre fixe, la séquence suit la condition dominante à travers laquelle chaque photographie demande à être lue : comme surface, comme matière, comme image retenue, comme figure à l'intérieur de pièces, comme durée, ou comme une présence qui s'assume.
Une photographie est placée en fonction de sa force visuelle première, et non pas simplement en fonction de ce qui apparaît à l'intérieur du cadre. Un voile ne rend pas automatiquement une image Opacité; une chaise n'en fait pas automatiquement un Chambres; un visage visible n'en fait pas automatiquement un Possession de soi. La question est toujours d'ordre curatorial : qu'est-ce que la photographie fait fondamentalement au corps ?
1. La surface
Le corps en tant que contour, terrain et surface d'image
Une œuvre appartient à Surface lorsque le corps est lu avant l'identité : en tant que contour, volume, lumière, ombre, ligne et terrain. Un cadrage serré, un contexte réduit, une lumière tamisée ou un sol neutre peuvent transformer la peau en surface d'image. Ces photographies ne posent pas en premier lieu la question de savoir qui est le corps, où il se trouve ou quelle matière le touche. Elles s'interrogent sur la manière dont la lumière rend la forme visible.
Un visage peut apparaître, mais il ne doit pas dominer la lecture. Si le regard de la personne, sa présence psychologique ou la posture qu'elle adopte deviennent la force centrale, l'œuvre s'oriente vers Possession de soi. Si un pigment, un liquide, un tissu, un métal ou une lumière colorée modifie activement la peau, celle-ci se déplace vers le haut. Matière.
2. Matière
Pigment, liquide, tissu, métal et lumière agissant sur la peau
Une œuvre appartient à Matière lorsque la surface du corps est modifiée par un contact physique ou optique. Pigment, poudre, peinture, paillettes, eau, huile, tissu, métal, matériau réfléchissant, lumière projetée ou lumière colorée peuvent tacher, recouvrir, marquer, refléter ou remodeler la peau. Le corps n'est pas seulement montré, il reçoit et enregistre le contact.
La distinction entre Opacité est importante. Si un matériau modifie la surface du corps, l'image appartient à cette surface. Si un matériau interrompt principalement l'accès du spectateur au corps - en le voilant, en l'obscurcissant, en le rendant flou ou en le privant de visibilité - l'image se rapproche de la surface du corps. Opacité. La matière touche le corps, l'opacité s'interpose entre le corps et le spectateur.
3. L'opacité
Le refus d'une visibilité totale
Une œuvre appartient à Opacité lorsque l'accès du spectateur au corps est interrompu. Le tissu, l'eau, la brume, l'ombre, le reflet, le verre, les surfaces translucides, les voiles, les filets ou la lumière atmosphérique peuvent rendre la figure présente mais pas entièrement disponible. L'image n'offre pas le corps comme une information transparente ; elle retarde, filtre ou déstabilise le regard.
L'opacité n'est pas simplement une atmosphère. L'obscurité seule ne suffit pas. Si l'obscurité dessine le corps en tant que forme, l'œuvre peut appartenir à la catégorie de l'obscurité. Surface. Si un voile ou une ombre devient un obstacle à la vision, il a sa place ici. Si le regard direct de la personne ou sa posture autonome deviennent plus forts que l'obstruction, le travail peut s'orienter vers une approche de l'image. Possession de soi.
4. Chambres
Intérieurs privés, pression publique
Une œuvre appartient à Chambres lorsque l'espace intérieur devient un élément déterminant de la photographie. Les lits, les chaises, les canapés, les rideaux, les tapis, les murs, les fenêtres, les portes, les coins, les salles de bains et les intérieurs de studios temporaires peuvent tous être plus qu'un simple décor. Ils placent le corps dans un champ social et psychologique : intimité, permission, exposition, domesticité et pression.
La présence de meubles ne suffit pas. La pièce doit influer sur la lecture du corps. Si le corps reste isolé en tant que forme, l'œuvre peut appartenir à l'espace. Surface. Si un rideau ou une ombre bloque principalement la visibilité, il peut appartenir à Opacité. Si l'intériorité ou le regard de la figure est la force la plus puissante, l'œuvre peut appartenir à la catégorie des "œuvres d'art". Possession de soi.
5. La durée
Mouvement, suspension, gravité et temps
Une œuvre appartient à La durée lorsque le corps est lu comme un événement dans le temps. Le mouvement, la suspension, l'équilibre, le flou, la longue exposition, la danse, l'acrobatie, la chute, le maintien, l'étirement ou la résistance à la gravité remplacent la pose fixe par un sens de la durée physique. La photographie enregistre non seulement un corps, mais aussi le temps qu'il faut pour le tenir, le déplacer, le faire tomber, le maintenir en suspension ou résister à l'effondrement.
La durée ne nécessite pas de flou visible. Une image fixe peut appartenir à cette catégorie si le corps est porteur d'une forte tension physique : tension musculaire, équilibre, suspension ou résistance. Si la pose est statique et que le corps est principalement une forme formelle, l'image peut appartenir à la catégorie Surface. Si le mouvement est secondaire à une pièce, un voile ou une intervention matérielle, un autre registre peut être plus fort.
6. Possession de soi
Le corps tenu par la personne dans l'image
Une œuvre appartient à Possession de soi lorsque le corps n'est pas livré au spectateur mais tenu par la personne dans l'image. Cela peut se produire par le biais d'un regard direct, d'un refus, d'une immobilité, d'un repli sur soi, d'une posture fermée, d'un geste d'autoprotection ou d'une insistance silencieuse sur la présence. La catégorie ne concerne pas la vulnérabilité. Il s'agit du corps en tant qu'il appartient à quelqu'un.
Un visage visible est un signal fort, mais ce n'est pas une obligation. Un dos tourné, un corps replié ou une posture de retrait peuvent également produire une possession de soi si la figure reste lisible en tant que personne définissant les conditions de visibilité. Si le corps devient une forme anonyme, l'œuvre peut appartenir à un groupe de personnes. Surface. Si la matière, l'opacité, l'espace ou le mouvement dominent la lecture, l'œuvre doit être placée ailleurs.
Utilisation de la taxonomie
Les six registres ne sont pas des genres rigides. Ils sont des outils éditoriaux permettant de lire la force dominante de chaque photographie.
De nombreuses œuvres peuvent être abordées à travers plusieurs registres. Un portrait voilé peut se situer entre Opacité et Possession de soi; Un corps dans une pièce peut également avoir la force psychologique d'un portrait ; la lumière colorée peut agir comme une atmosphère dans une image et comme une matière dans une autre. L'emplacement final dépend de l'effet le plus fort de la photographie sur le corps.
La séquence suit donc un principe curatorial plutôt que purement descriptif. Surface formulaire de noms ; Matière noms contact ; Opacité ont interrompu la visibilité ; Chambres noms pression intérieure ; La durée noms, le temps et la tension physique ; Possession de soi nomme le corps tel qu'il est tenu par la personne dans l'image.
Méthodologie de la conservation
Les quatorze photographes de Les nus d'Istanbul n'ont pas été sélectionnés dans le cadre d'un appel ouvert. Ils ont été invités à partir d'un champ collectif formé au cours de quatorze années de production photographique à Istanbul sous la direction d'un conservateur - des environnements de travail répétés généralement organisés autour d'un modèle partagé, d'une situation d'éclairage construite, d'une intervention matérielle et d'une prémisse visuelle définie.
La sélection s'est faite sur la base d'un développement soutenu de l'auteur plutôt que sur des images fortes isolées. Les critères comprenaient la continuité de la participation, la cohérence technique et visuelle, la distinction des décisions photographiques et la capacité du travail de chaque photographe à contribuer à un corps collectif sans s'y dissoudre.
L'objectif n'était pas de réaliser une étude représentative de la photographie de nu en Turquie. Il s'agissait d'identifier une pratique collective cohérente issue d'un environnement de travail spécifique à Istanbul. Cet environnement de travail fait partie de l'identité du projet : la prémisse conceptuelle du commissaire, l'environnement lumineux, la direction du modèle et la mise en scène d'une part ; le cadrage, le moment, la distance, le jugement tonal et la décision interprétative du photographe d'autre part.
La décision de présenter le travail à Berlin reflète une condition structurelle du domaine. L'histoire documentée des expositions de photographies de nu en Turquie, retracée dans l'étude académique réalisée en 2011 par Işık Özdal pour l'université Süleyman Demirel, commence avec l'exposition de Çerkes Karadağ, intitulée "La photographie de nu". Nüans et se poursuit par une série limitée d'expositions à auteur unique pour la plupart. Le bilan est important, mais intermittent. Ce qui a manqué, c'est une plateforme collective durable.
La présentation à Berlin n'est donc pas une délocalisation de l'œuvre loin d'Istanbul. Il s'agit de la première plateforme publique internationale pour un ensemble de photographies réalisées à Istanbul et conservées, pendant des années, dans des circuits de circulation limités. En ce sens, l'exposition traite Berlin non pas comme une échappatoire à l'origine du projet, mais comme le premier site où cette origine peut être lue de l'extérieur.
La généalogie turque
Il existe une généalogie turque de la photographie de nu, mais elle est intermittente plutôt que cumulative. L'enquête académique d'Işık Özdal en 2011, Analyse de la photographie turque et de l'image de marque de Nü Sergiler, Le livre de Çerkes Karadağ, qui retrace une histoire qui commence avec le livre de Çerkes Karadağ, est le premier à avoir été publié. Nüans - présentée à Cologne en 1988 et à Istanbul en 1989 - suivie d'une série limitée d'expositions ultérieures de photographes tels que Mehmet Koştumoğlu, Levent Öget, İbrahim Göğer, Orhan Alptürk, Saygun Dura, Cem Boyner et Niko Guido.
L'étude d'Özdal identifie un domaine façonné par la discontinuité. La pratique s'est largement manifestée par des expositions individuelles plutôt que par des structures collectives durables. Le nombre de publications reste faible, avec l'ouvrage d'Alberto Modiano intitulé Türk Fotoğrafında Çıplak (2004), qui constitue l'un des rares ouvrages de fond sur le sujet. Les archives historiques révèlent également un déséquilibre prononcé au niveau des auteurs, les femmes photographes étant largement absentes de l'histoire des premières expositions documentées dans l'étude.
La période qui a suivi 2011 n'a pas donné lieu à un enregistrement institutionnel continu et largement visible de la photographie de nu d'art en Turquie. Les politiques corporelles sont toutefois restées au cœur de la culture visuelle turque. Dans le domaine plus large de l'histoire de l'art et des pratiques contemporaines, les écrits d'Ahu Antmen sur le corps, l'identité, le genre et la représentation, l'engagement à long terme d'İpek Duben sur le corps, l'identité, le genre et l'autoreprésentation, le cadrage historique du nu dans la peinture turque moderne et la pratique soutenue de Nilbar Güreş autour du genre, des codes sociaux et de l'identité incarnée définissent un champ culturel plus large dans lequel la visibilité du corps reste contestée.
Ces pratiques ne constituent pas une lignée directe pour les Les nus d'Istanbul. Le projet est photographique, collectif et ancré dans un environnement de travail stambouliote à long terme. Mais ils aident à définir la question plus large à laquelle le projet appartient : comment le corps devient-il visible dans la culture visuelle turque, qui est autorisé à l'encadrer et à travers quelles structures peut-il entrer dans le domaine public ?
Les nus d'Istanbul est positionné par rapport à ces conditions. La publication qui l'accompagne apparaît comme un rare projet collectif de livre consacré à la photographie de nu d'art de Turquie après le volume de 2004 de Modiano. Elle présente une pratique collective soutenue plutôt qu'un auteur unique. Cinq des quatorze photographes participants sont des femmes. Il comprend des essais commandés à deux contributeurs modèles. Enfin, il organise le travail de manière explicite à travers six registres contemporains - Surface, Matière, Opacité, Chambres, Durée et Autopossession - qui relient la pratique d'Istanbul aux cadres actuels de la photographie d'art.
L'exposition ne prétend pas combler le fossé historique. Elle prétend marquer le point où une conversation différente devient possible.
Lignée photographique
Le projet n'est pas présenté comme un phénomène local isolé. Ses six registres sont lus en relation avec les histoires photographiques internationales du nu, du corps, de la construction des studios, de la durée, de l'intervention matérielle et de l'autoreprésentation.
Ces noms ne sont pas présentés comme des influences directes sur les photographes participants. Ils fonctionnent comme des coordonnées de lecture - une manière de placer les six registres en conversation avec des histoires plus larges du corps photographié.
Surface
Bill Brandt - Edward Weston - Ruth Bernhard
Ce registre s'inscrit dans la lignée du corps lu comme forme, contour et surface d'image. Brandt, Weston et Bernhard restent des références essentielles pour la discipline qui consiste à réduire le nu au volume, à la géométrie et à la lumière sans le vider de sa présence physique.
Matière
Prue Stent & Honey Long - Ana Mendieta - Carolee Schneemann
La matière désigne le moment où le pigment, le tissu, le liquide, le reflet, la lumière projetée ou le contact physique devient un agent actif dans l'image. Ce registre relie l'expérimentation contemporaine basée sur le corps à des histoires plus larges dans lesquelles le corps reçoit, enregistre, résiste ou devient marqué par l'action matérielle.
Opacité
Francesca Woodman - Deborah Turbeville - Marianna Rothen
Le corps est à moitié donné, à moitié retenu. Les intérieurs flous de Woodman, l'atmosphère de visibilité retenue de Turbeville et la reconstruction cinématographique de l'espace féminin de Rothen fournissent des coordonnées utiles pour lire des images où le corps résiste à une lisibilité totale.
Chambres
Lee Friedlander - Lucas Samaras - Juno Calypso
Rooms place le nu sous la pression des intérieurs : meubles, coins, lits, rideaux, surfaces domestiques et espaces privés construits. Friedlander, Samaras et Calypso montrent comment la pièce devient plus qu'un décor - un cadre psychologique, social et optique.
La durée
Eadweard Muybridge - Étienne-Jules Marey - Viviane Sassen
La durée lit le corps comme un événement dans le temps. Muybridge et Marey ont fait du mouvement et de l'analyse séquentielle des questions photographiques centrales ; les pratiques chorégraphiques contemporaines et les pratiques basées sur les ombres étendent cette question au geste, à la suspension, à l'équilibre, au flou et à la tension corporelle.
Possession de soi
Nan Goldin - Elinor Carucci - Paul Mpagi Sepuya
Le registre le plus intime de l'exposition. Goldin, Carucci et Sepuya proposent trois points de référence différents pour les corps détenus par les personnes dans l'image plutôt que livrés au spectateur : la présence autobiographique, l'intimité de proximité et le studio en tant que site d'un regard conscient de soi.
Ancres à registres croisés
Deux chiffres se situent dans la taxonomie plutôt que dans un seul registre. Robert Mapplethorpe est pertinent pour la discipline formelle qui s'étend entre Surface, Matièreet Chambres. Zanele Muholi est pertinente pour la lecture politique et assumée du corps qui résonne le plus fortement avec le projet de la Possession de soi, tout en touchant à la mise en scène de Chambres.
Au-delà de Berlin : Circulation internationale
Berlin est le premier chapitre de la circulation publique du projet, et non sa destination finale.
Après la présentation à Berlin, Les nus d'Istanbul est destiné à se poursuivre par des présentations de livres, des expositions, des conversations publiques, des collaborations institutionnelles et des programmes universitaires en Turquie et dans certaines villes européennes. De futures présentations à Istanbul, en Turquie, et dans d'autres contextes européens sont à l'étude.
La publication est conçue pour circuler indépendamment de tout lieu unique par le biais de la distribution de livres d'art, de la distribution directe, de la diffusion institutionnelle et de propositions d'acquisition par des bibliothèques sélectionnées. Des exemplaires en lecture anticipée ou des aperçus numériques peuvent être mis à la disposition des conservateurs, des rédacteurs, des éditeurs, des critiques et des chercheurs universitaires, moyennant un accord.
Les institutions intéressées par l'accueil de l'exposition, l'organisation d'une conversation publique, l'élaboration d'un programme universitaire autour de la publication, la discussion sur la distribution du livre ou l'acquisition du livre pour une bibliothèque ou des archives sont invitées à se renseigner.
Demandes de renseignements de la presse, des éditeurs et des institutions
Le matériel de presse est disponible sur demande : images sélectionnées en haute résolution, déclaration du commissaire en anglais, allemand et turc, biographies des photographes, communiqué de presse factuel, aperçu de la publication, copie de lecture anticipée sur demande, disponibilité des interviews, détails de l'exposition, et informations sur le crédit photographique et l'autorisation.
L'exposition est ouverte aux journalistes en avant-première, aux demandes d'interviews, aux visites universitaires, aux conversations avec les éditeurs, aux demandes d'hébergement institutionnel et aux réunions des commissaires d'exposition pendant la période d'exposition, sur arrangement.
Les conservateurs, les critiques d'art, les éditeurs, les équipes d'acquisition des bibliothèques et les chercheurs universitaires travaillant sur la photographie contemporaine, l'art du nu, la culture visuelle turque, le genre, la politique de l'image, les pratiques corporelles, l'historique des publications ou la paternité collective sont particulièrement bienvenus.
Déclaration du commissaire (EN / DE / TR)
Biographies de photographes
Communiqué de presse
Avant-première de la publication
Copie de lecture anticipée
Disponibilité pour l'entretien
Crédit photographique et information sur le consentement
Références théoriques
Le cadre curatorial s'appuie sur les références primaires suivantes.
- Antmen, Ahu. Les lits d'hôpitaux : Sanat, Kimlik, Cinsiyet. Sel Yayıncılık, Istanbul, 2014.
- Baudrillard, Jean. Simulacre et simulation. University of Michigan Press, 1994.
- Berger, John. Les manières de voir. Penguin Books, 1972.
- Merleau-Ponty, Maurice. Phénoménologie de la perception. Routledge, 2012 (1945).
- Modiano, Alberto (éd.). Türk Fotoğrafında Çıplak. Bileşim Yayınevi, Istanbul, 2004.
- Mulvey, Laura. "Plaisir visuel et cinéma narratif"." Écran 16:3, 1975.
- Özdal, Işık. "Türk Fotoğrafında Nü Sergilerin Analizi"." SDÜ ART-E, 2011.
- Sontag, Susan. Sur la photographie. Farrar, Straus et Giroux, 1977.
La bibliographie complète - y compris les sources primaires pour l'histoire des expositions turques et les références à la politique corporelle post-2011 mentionnées ci-dessus - figure dans la publication.