Lucida

Lucida Es geht um eine Schwelle. Unter ultraviolettem Licht absorbieren fluoreszierende Pigmente auf der Haut Wellenlängen, die das Auge kaum wahrnimmt, und geben einen Teil dieser Energie als sichtbares Licht in die Dunkelheit ab. Die Kamera hält ein leuchtende ein Körper, der seine eigene Sichtbarkeit erzeugt. Diese einfache physikalische Tatsache, dass Materie zum Leuchten gebracht werden kann, steht im Mittelpunkt der Serie.

Der Titel stammt aus dem Lateinischen lucidus: hell, strahlend, klar. Die Serie kehrt eine der Grundvoraussetzungen der Fotografie um. Einen Körper zu fotografieren bedeutete schon immer, das Licht zu fotografieren, das er zurückwirft: Die Sonne oder eine Lampe trifft auf die Haut, und die Haut reflektiert einen Teil dieses Lichts zurück zum Objektiv. Lucida hält die Kamera fest und bewegt die Lichtquelle. Der größte Teil des Lichts, das die Kamera aufnimmt, stammt von der Figur selbst.

Das Werk geht von den architektonischen Figuren von UnAkt, wo hartes Licht den Körper in Form schneidet, und von den optischen Brüchen der Chimäre, wo gebogene Spiegel es brechen. In Lucida Der Körper wird zu einer Oberfläche, die es zu aktivieren gilt. Vertraute anatomische Orientierungspunkte lösen sich in Farb- und Leuchtfelder auf, bis nicht mehr zu sagen ist, wo die Haut endet und das Leuchten beginnt. Das Bild erreicht das Auge zunächst als Farbe und Energie und erst danach als Körper.

Die Serie hält zwei visuelle Traditionen im Spannungsverhältnis zueinander. Yayoi Kusamas „Infinity Rooms“ lassen den Körper im Muster aufgehen, das Selbst vervielfacht sich zum Kosmos. Caravaggios Chiaroscuro formt mit einer einzigen Lichtquelle Gestalt aus absoluter Dunkelheit. Bei Caravaggio trifft das Licht von außen auf die Figur; hier entspringt das sichtbare Licht dem Pigment auf der Haut. Lucida geht über beides hinaus in Richtung Abstraktion, bis das Fleisch wie eine Nebelwolke wirkt.

Durch Langzeitbelichtung wird Bewegung eingefangen. Körper verschwimmen und vervielfachen sich, ihre Bewegungsbahnen werden als Lichtstreifen nachgezeichnet. Diese Bilder akkumulieren Zeit und zeigen den Körper als Ereignis. Als Vorbild dient Étienne-Jules Marey, der in den 1880er Jahren seine Motive in Schwarz kleidete, ihre Gliedmaßen mit hellen Linien und Punkten markierte und sie vor schwarzem Hintergrund fotografierte, bis der sich bewegende Körper zu einer Zeichnung aus Licht wurde. Lucida überträgt diese Labormethode in eine halluzinatorische Ebene, in der Wissenschaft zum Ritual wird und die Bewegungsspur zu etwas gehört, das halb lebendig und halb Licht ist.

Die Bildsprache bewegt sich durch mythologische und rituelle Assoziationen, ohne dabei eine bestimmte Tradition zu veranschaulichen. Gesichter verwandeln sich in Masken, Körper in Symbole einer erfundenen Kosmologie. Die fluoreszierenden Muster übersetzen Körpermarkierungen in die Sprache des Neons und geben heilige Geometrie in leuchtenden Farben wieder.

Der Tanz hat diese Schwelle bereits einmal erreicht. In Paris zu Beginn des 20. Jahrhunderts tränkte die Tänzerin Loïe Fuller, die ein Labor für ihre Lichtexperimente unterhielt, ihre Bühnenseidenstoffe mit fluoreszierenden Salzen, sodass ihre Kostüme im abgedunkelten Theater leuchteten. Einige der Arbeiten in Lucida kehrt zu jenem Zusammentreffen von Darsteller, Chemie und Dunkelheit zurück und überträgt es auf die Haut. Die Arbeiten entstehen in Zusammenarbeit mit Tänzern, Performern und Körperkünstlern, deren Ausbildung es ihnen ermöglicht, Posen mit langer Belichtungszeit und choreografierte Bewegungen innerhalb des Bildausschnitts zu halten. In diesen Sitzungen ist das Motiv ein aktiver Teilnehmer, ein Mitautor der Geste, die die Kamera während der Belichtungszeit einfängt.