UnAkt

UnAkt Es verändert eher die Art und Weise, wie der Körper betrachtet wird, als das, was betrachtet wird. Im Laufe der langen Projektdauer verschwindet das Gesicht, und die Identitätsmerkmale werden verwischt. Was bleibt, ist die Form: Die Haut wird zur Linie, eine Falte wird zum Volumen, ein Schatten wird zum Hohlraum.

Der Titel greift eine alte Debatte über den Akt auf. In „Die Nackte“ (1956) stellte Kenneth Clark den nackten Körper – entblößt und unbehaglich – dem Akt gegenüber, jenem Körper, den die Kunst zu einem Ideal umgeformt hat. In Wege des Sehens (1972) kehrte John Berger diese Einschätzung um: Nacktheit gehört dem Menschen selbst, während der Akt ein Körper ist, der für andere zur Schau gestellt wird und zwar gesehen, aber nicht erkannt wird. UnAkt Es nimmt diese Anonymität auf und führt sie über den Punkt hinaus, an dem der Körper noch als Akt wahrgenommen werden kann. Sobald das Gesicht, die Proportionen und die vertrauten Umrisse verschwunden sind, weicht die Frage, die ein Porträt aufwirft – „Wer ist das?“ –, einer anderen: „Was ist diese Oberfläche, und wie fängt sie das Licht ein?“

Die Arbeitsweise ist diszipliniert: Schwarz-Weiß, hartes und gerichtetem Licht, eng beschnittene Bildausschnitte, die das Größengefühl des Betrachters verunsichern. Eine Vertiefung im Rücken kann als Tal gelesen werden, der Kamm eines Ellbogens als architektonische Zeichnung. Diese Desorientierung hinsichtlich der Größenverhältnisse ist das zentrale Stilmittel der Serie. Sie verwandelt den Körper in eine Landschaft und fordert den Betrachter auf, mehr durch Berührung als durch Wiedererkennung zu sehen. Laura U. Marks bezeichnet diese Vorgehensweise als haptische Visualität: eine Art des Betrachtens, bei der das Auge wie ein Tastorgan über die Oberfläche gleitet und diese eher streift, anstatt sie abzusuchen. Die Maserung des Abzugs, die feinen Härchen am Unterarm, der scharfe Kontrast der Haut zum Schwarz – all das verstärkt diesen taktilen Eindruck.

Die abstrakten Formen knüpfen an eine lange Tradition der Moderne an. Auguste Rodins fragmentierte Figuren, Constantin Brâncușis reduzierte Köpfe und Jean Arps biomorphe Kurven zielten jeweils darauf ab, die essentielle Form aus dem Körper herauszuarbeiten. In der Fotografie sind die naheliegendsten Bezüge Bill Brandts Spiel mit dem Maßstab, Edward Westons Dünen, die wie Torsos wirken, und Torsos, die wie Dünen wirken, sowie Robert Mapplethorpes skulpturales Licht. UnAkt Es greift auf deren grundlegende Mittel zurück – die Fähigkeit des Lichts, Formen zu definieren, und die Kraft des Bildausschnitts, den Betrachter zu verwirren – und nutzt sie, um eine Frage zu stellen, die genau in den aktuellen Kontext passt.

Diese Frage betrifft die Zeit. Eine einkanalige Videoinstallation ergänzt die Abzüge: kurze Clips, die mit derselben Beleuchtung, derselben Pose und demselben Bildausschnitt wie die jeweiligen Fotos aufgenommen und so verlangsamt wurden, dass der Atem des Motivs sichtbar wird. Der Standbildabzug hält Formular; das Video kehrt zurück Leben. Die Ausstellung bewegt sich zwischen Skulptur und Kino, zwischen Raum und Zeit. Was die Drucke für sich genommen als reine Abstraktion erscheinen lassen, wird im Video wieder zu einem Körper, der tatsächlich da war und vor der Kamera atmete.

Die Zerstückelung des Körpers hat eine bewegte Geschichte: In Teile zerlegt, lässt sich ein Mensch leichter in Besitz nehmen. UnAkt bewahrt das Fragment und hält zurück, was Fragmente gewöhnlich bieten. Es gibt niemanden, den man identifizieren könnte, und kein Detail, das man sammeln könnte, und der verlangsamte Atem im Video führt das Terrain immer wieder zu einem lebendigen Menschen zurück. Die Serie scheut die Sinnlichkeit nicht; sie trennt die Sinnlichkeit von der Logik des Konsums.