Burak Bulut Yıldırım

Démarche artistique

Ma pratique commence là où le corps cesse d'être un simple sujet pour devenir un support. Depuis plus de deux décennies, je photographie le nu à travers la lumière, l'optique, le temps et les matériaux physiques. Dans mes photographies, le corps est toujours en train de se transformer en autre chose.

Mon travail revient sans cesse sur ce moment où un corps commence à se fondre dans ce qui l'entoure. Dans Niche, un personnage laissé seul dans une pièce se recroqueville dans un coin jusqu’à ce que les couleurs de la pièce se confondent avec celles de sa peau. Dans Ecotone, le corps retourne à la nature, tel un être vivant parmi d’autres, sur une terre où l’on fait paître le bétail, où l’on se promène et où l’on travaille, jusqu’à ce que la frontière entre la peau et le paysage s’estompe. Only You Are Close, When Everything Is Far Away a été prise au bord de l'eau pendant la pandémie, alors que la distance qui nous séparait des autres nous a permis de renouer avec la nature, que la vie moderne nous avait fait oublier. Dans Motus, les danseurs et les mannequins en mouvement étirent un geste sur toute la durée d’une longue exposition, jusqu’à ce que le mouvement et le temps prennent les qualités de l’espace, et que le corps se fonde dans la trace de son propre mouvement. Dans Lucida, sous l'effet des rayons ultraviolets, le pigment fluorescent transforme le corps en source de la lumière qui le fait apparaître. Dans Antemortem, le corps est tout près des signes de sa propre fin, encore présente et déjà en train de s'éloigner.

C'est également dans le corps que les états intérieurs se manifestent. Melancholia interprète la mélancolie comme un fardeau sans cause précise : un corps ralenti, replié sur lui-même, s'accrochant à quelque chose qu'il ne peut nommer, dans une lumière qui semble arriver à contrecœur. Crave se tourne vers l’appétit et le plaisir : chaleur, toucher, goût, désir aiguisé par la fumée et les vitres embuées, et regard qui répond au nôtre. Elsewhere place un corps nu dans des ruelles étroites, sur des ponts et des balcons, ainsi que devant la silhouette de la ville, et s'interroge sur ce que signifie simplement exister dans un espace partagé avec d'autres. Dans Chimera, des miroirs courbés multiplient et déforment la silhouette ; le corps reste entier tandis que la perception se brise. Dans Dysmorphia, le miroir se tourne vers le regard des mannequins elles-mêmes : elles sont confrontées à leurs reflets déformés et au fossé que la pression sociale peut creuser entre le corps qu’elles ressentent et celui qu’elles voient. UnNude ramène tout au noir et blanc, à la lumière dure et à l’échelle, jusqu’à ce que la peau se lise comme une ligne, un pli comme un volume, et que la question de l’identité cède la place à celle de la lumière retenue par une surface.

Je construis l’image principalement à la prise de vue. Les distorsions de Chimera proviennent de feuilles de miroir courbées ; le flou de Motus vient de la pose longue et du mouvement de l’appareil ; la lueur de Lucida vient d’un pigment réagissant à la lumière ultraviolette. Aucune image n’est générée ni étendue à l’aide de l’IA ; j’utilise Photoshop et Lightroom uniquement pour les ajustements de tonalité, le nettoyage, la correction des couleurs et la préparation des tirages. Ces choix relèvent davantage de la présence que de la pureté. L’image doit naître dans la pièce, dans la rue ou sur le terrain, avec la personne devant l’objectif, pendant que l’obturateur est ouvert.

Les personnes que je photographie sont des participants, jamais de la « matière première ». Plusieurs de mes séries sont réalisées avec des danseurs, des artistes de scène et des artistes du corps. Pour In Haste, des danseuses de ballet se sont mises à danser à l'improviste dans le métro, sur les ferries et dans les rues d'Istanbul, et j'ai photographié les gens qui les entouraient : ceux qui s'arrêtaient pour les regarder, et ceux qui continuaient leur chemin comme si de rien n'était. Pour Stills, dans le cadre d’un projet mené avec la directrice artistique Meryem Aydın, cinq danseurs se sont rendus au studio à des dates différentes et ont réagi aux treize mêmes photographies d’objets du quotidien en présentant la première image que chaque objet leur évoquait, sans jamais voir les réponses des autres. Le consentement est la condition préalable à toute photographie. La conception de l’exposition Nudes of Istanbul a prolongé cette position au-delà de mon travail personnel : aux côtés de quatorze photographes, trois modèles ont écrit pour le livre en tant qu’autrices, car la personne photographiée doit pouvoir prendre part à la manière dont le corps est vu.

Je laisse le personnage définir lui-même les conditions de sa propre visibilité. Parfois, le visage se détourne ou se fond dans la silhouette ; parfois, comme dans Crave, l’image soutient directement le regard. Dans les deux cas, le corps appartient à la personne dans le cadre. Le travail naît de l’attention, non de la provocation : un regard soutenu qui considère le corps comme le lieu où commence la vision, tout en préservant l’intégrité de la personne photographiée.